Sopa, libertad y gibré

Este proyecto, al cual se suma en colaboración Cooperativa Comunicar, editora de El Diario, plantea trabajar con los potenciales movilizadores del arte, la imagen y la fotografía en temáticas socio-culturales que nos atraviesan y nos interpelan colectivamente, como las ideas y expectativas acerca de lo ‘lo femenino’, feminismos, belleza, cuerpos y otros. 

La propuesta contará con obras fotográficas de artistas nacionales e internacionales que incluyan problemáticas de género narradas en primera persona.

Los organizadores consideran esta exposición colectiva internacional como un aporte central el diálogo intercultural, el cruce de miradas situadas en lugares geográficos diferentes, atravesadas y tensadas por contextos particulares y específicos.

Para ello se han seleccionado ensayos fotográficos producidos en: Argentina, España, México, Grecia, Rusia, Londres, Italia, Polonia, Brasil, Bélgica y Nicaragua.

Sobre las artistas y las obras

Punto Rosso, la galería virtual que tiene como objetivo la promoción y difusión de obra fotográfica contemporánea y que trabaja en la difusión de esta muestra, refirió sobre las artistas de la fotografía y las obras:

Judith Le Roux.

Argentina.

Artista Visual y Diseñadora. Lic. en Diseño Gráfico y Técnica en Fotografía.

Ha realizado exposiciones colectivas e individuales en galerías y museos de Córdoba, Buenos Aires, México, España (Madrid, Marbella y Valencia), Alemania y Polonia desde el año 2006 hasta la actualidad. Seleccionada Bienal Diseño de Perú. II Premio Internacional de Carteles MAKMA en Valencia. Ganadora concurso diseño Museo del Traje de Madrid. Sobre la obra: The body talks.

“El maniquí como metáfora visual del cuerpo de la mujer y de la condición humana. Un cuerpo individual y colectivo que conforma la identidad (...). Cuerpos que hablan, gritan, silenciados y fragmentados (...). Los mensajes tapan los cuerpos, los recorren como trazados y los desdibujan (…) Indagan los gestos a través de la intervención de la escritura en ellos (…)”.

Candelaria Magliano.

Argentina.

Comunicadora y artista visual. Lic. en Ciencias de la comunicación y Técnica en fotografía. Actualmente, está escribiendo su tesis de Maestría en Comunicación y Cultura Contemporánea CEA-UNC.

Desde el 2012 es docente de fotografía en la Universidad Nacional de Villa María.  Sus fotografías han sido expuestas en exposiciones individuales y colectivas en Argentina, México, Alemania, España, Estados Unidos e Italia.

Sobre la obra: Un día, el rayo.

“El mandato de ser equilibrada, exitosa, feliz, una unidad cerrada y en funcionamiento productivo y reproductivo trasciende la propia subjetividad; de hecho, responde a un sistema histórico, cultural y político anclado en formas de conocimiento y rendimiento muy concretas que rechaza las rupturas, quiebres y debilidades. Así, cuando las categorías fracasan y se produce un desacople con las referencias existentes, no solo sentimos que estamos más o menos partidas, sino también ‘en falta’ con las expectativas del sistema al que pertenecemos. Eso se interpreta y se vive como algo malo o una falencia. Sobreviene una especie de colapso del ser que, de acuerdo a lo apre(he)ndido tiende a ser rápidamente sofocado”.

Kristina Varaksina. 

Rusia / Inglaterra.

Fotógrafa rusa que vive actualmente en Londres. Cursó sus estudios en fotografía realizando un Master en San Francisco, USA. Recibió el primer premio de la Academy of Art Spring Show por su imagen "Aspirations". Es una destacada fotógrafa de retratos publicitarios y editoriales.

Sus trabajos aparecen en la BBC y en Vogue, y entre sus premios más recientes se encuentran el Portrait of Humanity 2020, el Lens Culture Critics Choice 2020 y el Portrait Awards 2021, la aclamada exposición Portrait of Britain 2020 y el Silver AOP 2020.

Sobre la obra:

The essence of beauty.

“La esencia de la belleza da voz a mujeres 'comunes', mujeres y personas no binarias que se identifican de diferentes orígenes étnicos, socioeconómicos y culturales, y personas con discapacidades y diferencias visuales. Su objetivo es ampliar nuestra comprensión de la belleza y explorar lo que valoramos en nosotros mismos y en los demás. Cada retrato es una observación y contemplación. Un intento de expresar exteriormente una narrativa interna, de amplificar la voz del sujeto. (…)”.

Anya Miroshnichenko.

Rusia.

Vive y trabaja en Moscú, se graduó en la RATI-GITIS, facultad de artes teatrales, PHD en Historia del Arte. De 2016 a 2019, estudió Fotografía en la Escuela Docdocdoc. Ganadora y finalista de los concursos internacionales Gomma Grant, Picture of the Year (POYI), lens Culture. Participó de festivales internacionales como: Riga Photomonth, Helsinki Photo Festival, Pierrevert Nuits Photographie, Rovinj photodays entre otros.

Ha realizado muestras individuales y colectivas en distintos espacios expositivos en Rusia, Italia, España, Alemania, India, China.

Sobre la obra: Dress code.

“Hace mucho tiempo que la ropa dejó de llevar la función de cubrir su desnudez y mantener el calor. (…) Con la ayuda de la ropa, el cuerpo se puede transformar hasta irreconocible, en cualquier forma. La pregunta es qué tan cómodo está el cuerpo en tal unión. En algún lugar la ropa imita la perfección natural del cuerpo, (…). Y en algún lugar, el propio cuerpo se ve obligado a adaptarse a la forma de sus vestiduras, (...) e intentar fusionarse con el traje, perdiendo su individualidad. En cualquier caso, esta unión crea una relación interesante, creando un tercer cuerpo asexual.

Y cada vez que me pongo una prenda, (…) es inevitable que haya alguna lucha entre el cuerpo y el vestido, el contenido y la forma, antes de que esta unión resulte en una obra acabada.”

Stephie Grape.

Grecia.

Es una fotógrafa griega que vive y trabaja en Atenas. Empezó a estudiar en la Facultad de Derecho, pero finalmente terminó estudiando artes visuales. Ha sido seleccionada como artista destacada por la plataforma Curated by Girls y parte de su trabajo se presenta en The Queer Archive Artshop. Ha participado de distintas exposiciones colectivas e individuales como Festival de Fotografía de Atenas 2020 (su obra ID), Parallel Voices 22 del Festival Internacional de Fotografía Photometria, entre otros.

Sobre la obra: ID.

“Una investigación en curso sobre la identidad sexual durante el momento de la transición de la inocencia a la edad adulta. Una pregunta binaria por la expresión de la sexualidad, el erotismo, el deseo de seguridad emocional y cómo estas necesidades se reflejan en el campo físico. El cuerpo no existe de facto, sino a través de los trámites que cada uno hace. Es el lugar donde se generan y regeneran identidades constantemente para luego aceptarlas y desafiarlas, con la única garantía de su autenticidad.”

Alicja Brodowicz.

Polonia.

Licenciada en el Instituto de Fotografía Creativa de Opava (República Checa). Premios y reconocimientos: IRIS Award (Australia), Photo Annual Awards (República Checa), International Photography Awards (Estados Unidos), Concurso Julia Margaret Cameron (Gran Bretaña). Ganadora (categoría retrato) en el concurso de fotografía infantil en blanco y negro, entre otros. Ha participado de muestras individuales, colectivas en Polonia, República Checa, Hungría y Alemania.

Sobre la obra:

Visual Exercises.

“En la naturaleza, nada es perfecto y todo es perfecto. Los árboles se pueden contorsionar, doblar de formas extrañas y siguen siendo hermosos”. Alicia Caminante

“(…) Al volver a trazar la unidad de elementos formales, composiciones, líneas y formas en forma de dípticos, se hace evidente la interrelación del cuerpo humano y la naturaleza. Esta analogía conduce a la realización de la perfección de ambos”.

Claudia Rojas.

México.

Arquitecta y fotógrafa free lance con vasta trayectoria en el campo de la fotografía aplicada. Se ha desempeñado como docente en la Universidad Intercontinental, A.C. y en la Universidad de Westhill. Con su obra personal ha participado de numerosas exposiciones tanto colectivas como individuales, en su país y en el extranjero (México, Estados Unidos, Canadá y Japón), siendo para destacar las exposiciones sobre “México profundo. Tradiciones”, “Cuentos de hadas” y “Cuerpos texturizados”. Asimismo, sus fotografías de paisajes han recibido numerosos premios y reconocimientos. Cuenta, también con varias publicaciones y libros.

Sobre la obra:

De tierra y raíz.

“Nuestros cuerpos están conectados entre sí y a su vez con la naturaleza que nos rodea y de la cual somos parte.

Mientras fotografío soy consciente de la relación que existe entre nosotros y la tierra. Trato de captar, a través de los cuerpos y las texturas, la emoción que me revelan, su dinámica sensual, su fuerza y la inocencia que les permite estar expuestos, desnudos.

No somos polvo, como dice el refrán; somos más, mucho más: unos cuerpos que palpitan, vinculados a la tierra. Somos danza vital, tierra y raíz”.

Natalia Mónaco.

Argentina.

Artista visual. Nace en Córdoba, Argentina. 1977. Autodidacta. Con formación en talleres de escritura, fotografía, pintura, escultura y cerámica. Su obra artística ha sido expuesta en muestras colectivas e individuales en Argentina, Europa, Brasil y África. Ha participado en ferias de arte. Trabaja en la gestión pública cultural, Museo de Bellas Artes Evita Palacio Ferreyra (2008 – 2015). De 2015 a 2020 dirigió el cargo de Subdirectora del Museo Provincial Palacio Dionisi. Coordinadora de la certificación en fotografía digital en La Metro. Fundadora y curadora del proyecto Nosotras Mujeres Fotógrafas.

Sobre la obra: Casa XII.

“Mi propio refugio, tras un muro construí mi propio laberinto, meditar sobre la existencia de la vida, el dolor, la soledad. El morir, renacer y sanar entre cristales, aguas, plantas sagradas y la fotografía documentando cada proceso, a la vez siento también mi refugio. (…) A través de la fotografía indago en la metamorfosis de mi cuerpo y mi alma, el vacío contenido, sumergida en un proceso personal de duelos. Toda vivencia es simultánea y sincrónicamente- humana y sagrada, personal y transpersonal. (…)”

Annabella Schwagten.

Bélgica.

Fotógrafa graduada de la Escuela de Artes LUCA en fotografía. Vive en Bruselas, Bélgica. Le gusta fotografiar cualquier cosa de su entorno siempre que le haga sentir algo. Le encanta dejarse guiar por su intuición y dejar que el mundo se despliegue ante sus ojos. Son las cosas pequeñas de la vida, las conexiones humanas y los encuentros íntimos entre personas que siempre busca.

Sobre la obra: Collages.

“Los collages que ves aquí están hechos de manera intuitiva. Todas ellas parten de un proceso orgánico, meditativo, donde no me decido por una idea inicial, sino que dejo que la imagen me aparezca.

Al ordenar y reacomodar elementos que me hablan, comienza a aparecer una imagen armoniosa que luego me revela su significado.

Los títulos de los collages están en dos partes. La segunda parte se refiere a lo que significa el collage para mí y la palabra ‘Sin título’ invita al espectador a pensar en su propia conexión con el collage y lo que podría significar para ellos”.

Además, el martes participarán:

Carina Giordanengo, docente de la UNVM en lectura de textos y Leonela Puente y Martina Soria (alumnas avanzadas de la Licenciatura en Comunicación Social).

Acompañan la muestra:

Usina Cultural,

Instituto de Sociales de la Universidad Nacional de Villa María, Cooperativa Comunicar- El Diario del Centro del País

Equipo de trabajo:  -Idea, dirección y gestión: Candelaria Magliano @candelariamagliano -Curadora y textos: Judith Le Roux @judith.leroux -Diseño posteo de redes: Judith Le Roux @judith.leroux -Prensa y difusión: Punto Rosso @punto.rosso.galleria